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Flow. CCA Andratx. Mallorca

Arte Contemporáneo“Be water, my friend” “Sé como el agua, amigo mío”: el consejo que Bruce Lee dió a su interlocutor en una entrevista en 1971 ha pasado a formar parte de un anuncio de coches, pero no por ello estas palabras dejan de ser sabias.

 

Vivimos inmersos en un flujo continuo, un flujo de información, de eventos, de imágenes y mensajes que nos invaden constantemente. Todo se desarrolla con tal rapidez que a menudo nos sentimos abrumados: incluso si dedicamos todos nuestros esfuerzos a estar al día en las últimas tendencias, a actualizar nuestros conocimientos y mantenernos conectados, no logramos seguir la corriente. En este estado de continua transformación, los conceptos establecidos se resquebrajan y las estructuras monolíticas son erosionadas, lenta pero inevitablemente, por una realidad que no es nunca la misma. Lo único que uno puede hacer es “ser como el agua”, adaptarse y evolucionar, asumir que entramos y no entramos en los mismos ríos, pero más aún que somos parte de lo que hace que el río fluya.
 

Arte Contemporáneo

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“Flow” también se refiere a un estado mental en el que la persona se haya inmersa en la actividad que está desarrollando. Para un/a artista, este es el momento en el que llega la inspiración, la idea se hace clara y uno no puede parar de trabajar hasta que la obra ha tomado forma. Paradójicamente, en la mayoría de los casos crear implica fijar lo que ha estado fluyendo en la mente, y los materiales que eran fluidos se hacen sólidos al pasar a integrar la obra de arte. En el ámbito digital, las obras mantienen gran parte de su fluidez, puesto que se nutren del flujo de datos constante que generan los usuarios de Internet o los espectadores que interactúan con la pieza. En cualquier caso, las obras de arte se mueven de forma fluida de una disciplina a otra y nos plantean más preguntas que certezas. Reflejan una realidad que es de todo menos estable y nos dicen a su manera lo que Bruce Lee afirmaba con tanta pasión.
 
Del dibujo a la pintura, el video, la instalación, la realidad aumentada o la obra generada por la información que circula por Internet, las piezas que componen esta exposición presentan diversos aspectos del concepto de “fluir”. Ya sea explorando las posibilidades estéticas de la representación de los fluidos, contemplando el flujo de datos en las redes de información, o experimentando la fluidez del sonido, el tiempo y el espacio, estas obras perfilan un rico panorama de la creación contemporánea.
 
 

CCA Andratx – Kunsthalle
Mallorca
15 marzo – 5 mayo, 2008
Comisario: Pau Waelder
 
 
 
 
Artistas
 
Los artistas invitados a participar en “FLOW” proceden de diversos lugares geográficos y de diferentes tendencias artísticas, que se manifiestan en la multiplicidad de soportes que emplean para sus obras.
 
Los artistas Mauro Ceolin y Maria Glyka realizarán además una estancia en los estudios para artistas del CCA, en los que crearán obras específicas para esta exposición. Asimismo, el artista Enric Font está creando en su estudio de Barcelona una nueva serie de obras que presentará en esta muestra, y en las que incorpora la propia imagen del edificio del CCA.
 
 
Mauro Ceolin (Italia) – dibujo, pintura
 
Andrea Renzini (Italia) – obras sobre papel
 
Paz Alcoverro (Mallorca) – fotografía y video
 
Clara Boj y Diego Díaz (Valencia) – instalación interactiva
 
Enric Font (Barcelona) – fotografía y pintura
 
Maria Glyka (Grecia) – proyecto específico para el CCA. Dibujo y pintura
 
Katie Paterson (Reino Unido) – instalación audiovisual
 
Bill Thompson (EE.UU.) – pintura-objeto
 
Gregory Chatonsky (Canadá) –net art e instalación
 
Peter Ruehle (Alemania) – pintura
 
Nic Hess (Suiza) – paneles luminosos
 
Haïdée Henry (Francia) – dibujo

 

ACERCA DE LOS ARTISTAS
 
Artistas presentes en la rueda de prensa:
 
Mauro Ceolin
Paz Alcoverro
Maria Glyka
 
Artistas presentes en la inauguración:
 
Mauro Ceolin
Paz Alcoverro
Maria Glyka
Enric Font
Andrea Renzini
 
A destacar acerca de los artistas participantes:
 
Mauro Ceolin ha realizado un estancia en los talleres del CCA, durante la cual ha llevado a cabo un mural de 7 metros de ancho pensado específicamente para el tema de la exposición, en el que extrae de un film Anime japonés el rastro del agua que deja una lancha motora y lo convierte en una forma abstracta.
 
Maria Glyka ha realizado un proyecto específico para esta exposición, que inicia en su estudio de Atenas (Grecia) y prosigue por medio de una estancia en los talleres del CCA. A lo largo de varias semanas, la artista ha realizado pequeñas piezas en las que recoge momentos de inspiración (flow) y va conjugando con el flujo del tiempo.
 
Enric Font ha creado tres grandes piezas para esta muestra, una de las cuales reproduce la imagen del edificio del CCA.
 
Bill Thompson ha creado seis pinturas especialmente para esta exposición. Entre ellas se halla una nueva serie que se verá por vez primera en el CCA.
 
Andrea Renzini realizará durante la inauguración una performance junto con el músico Stefano Pasini. Esta acción se realizará en la Kunsthalle del CCA, en penumbra y con la única luz de una lámpara ultravioleta, combinando el sonido con la experimentación plástica.
 
 


PRESENTACIÓN DE LOS ARTISTAS Y LAS OBRAS
 
Paz Alcoverro (Barcelona, 1969) – Stealing, 2005
 
La televisión nos ofrece un flujo constante de imágenes, algunas banales, otras interesantes, en una interminable sucesión que seduce e hipnotiza. La artista extrae en esta serie instantes de ese flujo, que recontextualiza al convertirlos en fotografías que dispone en conjuntos según un criterio estético. Lleva a cabo esta acción no por un proceso digital, que le permitiría seleccionar el fotograma exacto, sino situando la cámara frente a la pantalla y apretando el disparador. De esta manera, la captura o “robo” de la imagen se realiza con un margen de error que da espacio al azar, y así Alcoverro se convierte en una cazadora de instantes que sustrae al tiempo. En el monitor, la rápida sucesión de imágenes se congela cuando observamos una de las fotografías y esta, por un fenómeno de persistencia visual, permanece en la pantalla. Con este hábil juego, la artista nos hace partícipes de su proceso creativo.
 
 
Clara Boj y Diego Díaz (Murcia, 1975) – Red Libre, Red Visible, 2007
 
Nuestro entorno cotidiano se halla invadido por un flujo que no podemos ver, el flujo de datos de las múltiples redes de información que nos mantienen conectados al mundo. En particular, la red inalámbrica de datos (Wi-Fi) se ha convertido en un fenómeno habitual en nuestras ciudades: una red de intercambio de información que cubre nuestro entorno y que sin embargo es invisible y privada. Clara Boj y Diego Díaz nos proponen tomar conciencia de esta red de datos haciéndola visible y promoviendo un uso libre de restricciones para que todos puedan acceder libremente a Internet. Para ello han desarrollado un proyecto que, haciendo uso de las tecnologías de Realidad Aumentada, nos muestra en tiempo real el flujo de datos que circula por nuestro entorno y nos permite modificar el paisaje urbano.
 
 
Mauro Ceolin (Milán, 1963) – Contemporary Fluids, 2006-2008
 
Inspirado por los trabajos de Leonardo da Vinci, Mauro Ceolin dedica esta serie a la investigación de la representación de los fluidos. Pero lo hace, como es habitual en su obra, a través de los productos de la cultura de masas. En este caso, el Manga y el Anime son la fuente de la que extrae todo tipo de imágenes de fluidos, ya sea agua, gases, o pura energía. Ceolin extrae estas formas de su contexto, privándolas de su carácter figurativo para convertirlas en bellas composiciones abstractas, en las que sin embargo subsiste una sutil identificación con el lenguaje propio del cómic y el cine de animación japonés. El artista escoge para este trabajo una efectiva combinación de procesos digitales y manuales, que van del dibujo vectorial al collage y la pintura mural. Mauro Ceolin ha creado dos grandes piezas específicamente para esta exposición, gracias a una estancia realizada en los talleres del CCA.
 
Cortesía nt art gallery, Bolonia
 
 
Gregory Chatonsky (Paris, 1975) – L’attente | Le Registre, 2007
 
Internet es una red global por la que fluyen constantemente millones de datos. Pero estos datos, si bien se reducen a ceros y unos, no son simples cifras sino imágenes, palabras, historias, testimonios, sentimientos. Fragmentos de la vida de innumerables personas, que vagan en blogs, álbumes de fotos, salas de chat y foros. Gregory Chatonsky elabora a través de la serie de obras titulada Flußgeist lo que denomina “el espíritu del flujo”, es decir la conciencia colectiva que se crea por medio de las experiencias individuales que circulan por las múltiples redes sociales de Internet. En L’Attente, Chatonsky propone una observación del flujo de datos, combinando frases, imágenes y sonidos extraídos de diversos sitios web con los que elabora un film sin argumento, una ficción sin narración que no tiene fin, puesto que se nutre constantemente de las aportaciones de los usuarios de Internet. En Le Registre, decide en cambio extraer del flujo de datos una muestra tangible, un registro de los sentimientos. Por medio de un programa que extrae de diversos blogs y chats frases en las que se expresan sentimientos y las combina, una por página, en libros que se pueden imprimir de forma automática, el artista crea una serie de libros que va acumulando en estanterías creadas a tal efecto. Una biblioteca de los sentimientos propia de un cuento de Borges, que es teóricamente infinita.
 
Cortesía Galerie Numeris Causa, París
 
 
Enric Font (Barcelona, 1968) – CCA02 | tibi02 | gijón-bilbo02, 2008
 
La pintura de Enric Font es una plasmación del concepto de flujo, que se hace patente tanto en la imagen creada como en el proceso que conduce hasta ella. Los paisajes de Font toman como base una impresión digital que reproduce un espacio a veces anodino y otras sugerente, que se ve invadido por un enjambre de signos, expresiones onomatopéyicas y números de serie, manchas de color y últimamente una misteriosa flota de ovnis. Se crea así una composición un tanto lisérgica en la que la mirada se libera de referentes y vaga por el cuadro evocando tanto el flujo del pensamiento como la manera en que el grafismo publicitario se apropia de los lugares comunes para elaborar atractivos mensajes. El artista permite que su proceso creativo fluya libremente entre el diseño gráfico, la fotografía y la pintura, dando lugar a una serie de obras con un lenguaje contundente y plásticamente hipnótico. Enric Font ha creado tres grandes piezas para esta muestra, una de las cuales reproduce la imagen del edificio del CCA.
 
Cortesía Galería Ferrán Cano, Palma
 
 
Maria Glyka (Atenas, 1978) – Flow, 2008
 
La fluidez del tiempo y el concepto de “estado de flujo” son los ejes conceptuales sobre los que se desarrolla el proyecto específico creado por María Glyka para esta muestra. En su taller en Atenas, la artista ha ido creando pequeñas obras, en forma de “paquetes” que recogen un momento de completa concentración y que luego ha ido enviando al CCA. Estas piezas, que incorporan el paso del tiempo reflejado en la marca del matasellos, se suman a otras que Glyka ha realizado en los talleres del CCA, reaccionando al espacio de la Kunsthalle y elaborando una instalación que resume todo el proceso.
 
 


Haïdée Henry (Nimes, 1978) – Femmes Siamoise, 2006
 
Cuerpos fluidos, mutantes, imposibles, son los que reproduce Haïdée Henry en esta delicada serie de dibujos que reflexiona e ironiza sobre la fragilidad de la adolescencia y nos enfrenta a imágenes sensuales e inquietantes. El universo de esta artista se caracteriza por una visión sarcástica hacia el entorno, que toma forma en complejas obras que protagoniza un humor ácido y una concepción ecléctica de la obra de arte. En este caso, el dibujo le permite elaborar escenas de una cándida sencillez, que contienen sin embargo un trasfondo erótico y surrealista.
 
Cortesía Galerie Figge von Rosen, Colonia
 
 
Nic Hess (Zurich, 1968) –  Sin Título | Churchill, 2007
 
El paisaje urbano y los elementos que lo componen, en particular los carteles publicitarios, logos, indicadores y señales se convierten en el material de una composición fluida con la que Nic Hess dialoga con su entorno. Ya sea en sus conocidas obras murales, que dislocan el espacio de la sala y hacen de la pared un lienzo ilimitado sobre el que se extienden los más diversos grafismos, proyectando líneas dinámicas en colores vivos, como en las cajas de luz, obras más íntimas pero que igualmente hacen uso de los recursos del medio publicitario para atraer nuestra mirada, el trabajo de este artista establece una relación desenfadada con el flujo de signos que nos invade cotidianamente.
 
Cortesía Galerie Figge von Rosen, Colonia
 
 
Katie Paterson (Glasgow, 1982) –      Langjökull, Snæfellsjökull, Solheimajökull, 2007
 
Los nombres de tres glaciares de Islandia dan título a esta pieza audiovisual de Katie Paterson. La artista grabó sonidos de dichos glaciares, que luego grabó en tres discos de vinilo. Dichos discos sirvieron de molde para crear tres discos de hielo elaborados con el agua de los glaciares. Cada disco de hielo fue colocado en un tocadiscos y tocado hasta que se fundió. La instalación muestra simultáneamente los tres videos de dicha acción, combinando de forma poética el sonido de los glaciares con su progresiva desaparición. El agua retorna a su estado fluido y nos hace tomar conciencia de una pérdida irreversible en la que todos participamos. Los glaciares cantan en su particular sonido el relato de su propio fin, en un lento pero incesante proceso de destrucción.
 
 
Andrea Renzini (Venecia, 1963) – Consumo Progressivo Pantone 241 | Consumo Progressivo Pantone Rhodamine Red | Consumo Progressivo Rhodamine M-Red, 2007
 
Tras la llamada “muerte de la pintura”, Andrea Renzini plantea la muerte del color a través del consumo progresivo de un rotulador Pantone, en un proceso que recoge en dos obras sobre papel y un conjunto de fotografías que forman una gran pieza mural. Tomando como elemento de su investigación un rotulador de la marca que ha conseguido patentar el color a través de una carta cromática estándar para toda la industria, el artista plantea la desaparición de un determinado color aplicándolo metódicamente sobre el papel. A medida que el fluido que contiene el rotulador queda fijado sobre el soporte, la punta de fieltro se va secando y la tinta pierde la capacidad de extenderse para cubrir de forma homogénea la superficie. El color se va disipando y desaparece. El resultado, que podría recordarnos a un color-field painting, es pues una pieza más bien conceptual, que evoca el agotamiento de lo unívoco. Por otra parte, Renzini desarrolla una investigación de las relaciones entre color y sonido, como por ejemplo en la performance que realiza junto a Stefano Pasini en el CCA durante la inauguración de la muestra.
 
Cortesía nt art gallery, Bolonia
 
 
Peter Ruehle (Dresde, 1975) – Vienna | Roma | Paris, 2006
 
En las pinturas sobre tabla de Peter Ruehle, diversas ciudades aparecen representadas en forma de una delgada línea desde la que asoman los perfiles de edificios y monumentos. Estos inusuales paisajes son el resultado de una meditada reducción del objeto representado, que adquiere mucha más fuerza en su forma comprimida. La ciudad se nos muestra como un flujo que se disipa en el horizonte, extendiéndose más allá de los límites del cuadro. Pese a la sobriedad de la composición y la estabilidad de esta franja que ocupa el tercio inferior de la tabla, la ciudad parece desplazarse a toda velocidad ante nuestros ojos, impulsada por un movimiento incesante, como el de una cinta transportadora. La imagen resultante es figurativa y abstracta a la vez, permitiendo al espectador sumergirse en este paisaje imaginario que completa con su mirada.
 
Cortesía Galerie Kai Hilgemann, Berlin
 
 
Bill Thompson (Boston, 1957) – Altered Flat | Round  | Loop, 2008
 
La pintura de Bill Thompson, sin dejar de ser pintura, trasciende la bidimensionalidad para erigirse en objeto de formas dinámicas y colores enérgicos. Siempre sujeta al plano de la pared, su obra crea una sugerente metáfora de la fluidez a través de un crecimiento tridimensional y el uso de pinturas industriales que otorgan a las piezas una textura brillante y uniforme. La luz se desliza suavemente por sus perfiles topográficos, reflejando los tonos vivos que contrastan con la pared blanca. Los diversas series desarrolladas por Thompson investigan las posibilidades expresivas de esta concepción fluida del plano, de los volúmenes, las cavidades y los perfiles redondeados, a la vez que dialogan entre sí en su disposición espacial.
 
Cortesía The Columns Gallery, Seúl

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