AMBLART

Cuando somos niños tendemos a tocar todo lo que se nos ofrece ante los ojos y si se trata de una obra plástica no dudamos en posar nuestros dedos sobre el relieve de una pincelada. En la obra de Ñaco Fabré, si fuéramos niños, temeríamos ser absorbidos por la materia entre una confusión de trazos que se nos insinuasen como parte de lo desconocido.

Recorrer lo que queda en la memoria de Ñaco Fabré es temer dar un paso más allá de lo permitido porque parece que te adentrases en lo más profundo de su pensamiento.

Es la obra de Ñaco un canto a la belleza creada por uno mismo a semejanza de nuestro deseo más oculto.

Padece de tanta sensibilidad que crees recrearte en ella y sin embargo no se trata de relajarse sino de observar hacia dentro.

En un ritmo atemporal no hacen falta efectos prodigiosos porque se trata de una “caja mágica” donde se fabrica de lo meditado una historia: la más personal.

He tenido el privilegio compartido de recorrer la memoria de un paseante que se envuelve con la naturaleza y se deja arrastrar por la audacia de quien se desdobla en sí mismo con líneas vocales que hablan de la fortuna de ser observado.

Ñaco, explícanos: ¿porqué “Memoria del  paseante”?

El paseante recoge fragmentos con los que construye su propio universo,  esos fragmentos van dejando un poso en la memoria, que yo utilizo como herramienta de trabajo. Me interesa la idea de darse ese tiempo necesario con el que poder comulgar con el espacio que nos envuelve.

¿Qué obra resaltarías de esta exposición?¿Por qué?

Quizás  “Desde la extensión vacía”, es una obra interesante y compleja que sitúa al espectador en un frágil equilibrio entre la densidad de la pintura plana y los misterios de un paisaje por desvelar.

Según mi entender “todos somos paseantes” pero lo intrigante es lo que guarda la memoria de cada cual y lo que penetra a través de los ojos, porque no es lo mismo lo que dejamos o queremos dejar pasar a lo que vemos. ¿Piensas cuando miras o dejas simplemente hablar al espíritu?

Creo que de lo que se trata es de integrarse por un tiempo en ese territorio-espacio por el que decides crecer, y de este modo atender  a los grandes y pequeños detalles de la existencia con los que conocer tu propia geografía. Me interesa el pensamiento -La meta es el camino-.

Cuándo te enfrentas al lienzo ¿hasta dónde dejas obrar a tu voluntad y hasta dónde a tu conciencia?

Finalmente  equilibrio y armonía son dos condiciones indispensables para conseguir un grado mínimo de satisfacción y como entenderás hay varias vías para llegar a ese punto.

Háblanos de la caligrafía inventada y de la caligrafía aprendida ¿porqué los niños japoneses saben representar tan bien la realidad? ¿Dónde esta el límite de lo que guarda nuestra memoria y de lo que queremos o no recordar?

El niño normalmente no se anda con rodeos para explicar algo o exponer sus ilusiones y de esta manera surgen acciones generosas y llenas de verdad. El problema reside en mantener fresca esa ingenuidad, la curiosidad y el grado de asombro. Un buen ejercicio es archivar esa memoria y disponer de un sistema ágil para acceder a ese archivo.

Louise Bourgeois comenta que si te pesa la memoria, transfórmala. La memoria es ARTE.

Tu trabajo se basa esencialmente en la materia y el grafismo combinados en un universo muy personal ¿te da miedo salir de ese universo ó prefieres mantenerlo como seña de identidad?

Hay un momento en el que tu lenguaje parece que se puede adaptar a todo tipo de soporte y eso te hace sentir libre y dinámico. Lo complejo es profundizar en ese lenguaje, que  en definitiva, es de lo que se trata. Ya sabes que dicen que hay pintores de un solo cuadro, o que buscan esa pincelada única con la que explicar el universo(Antoni Tápies).

Por el contrario están los  artistas que cambian varias veces de nombre en su vida para alejarse de ese trazo que les hace reconocibles. Yo soy de los que construyo sobre los fracasos.

Si se permanece más de 5 minutos observando uno de tus recuerdos, crees contemplar como la materia del fondo parece “tapar” lo que realmente el trazo quiere contarnos, es como si presenciásemos en un proceso lento y perturbador la violencia de la materia sobre el trazo –la materia ahoga al trazo- y, sin embargo tenemos plena conciencia que sin el trazo, la materia no se dejaría ver, es el trazo finalmente quien domina la importancia de la creación.

Ñaco ¿tus cuadros son la historia de un encuentro pasional o la historia de una vida en pareja?

Hay cuadros que se convierten en caminos sin salida por los que no puedes avanzar, por el contrario,  hay otros que te dan vía libre y te permiten seguir creciendo.

El mundo de las ideas y las pasiones están destinados a convivir y  conseguir resultados, aunque es evidente que hay días en los que tu estado  de percepción se inclina hacia un terreno u otro.

Personalmente creo en la belleza creada a partir de un enigma, amamos lo que desconocemos y por amado lo convertimos en bello, ¿harías tuyas las palabras empleadas recientemente en una entrevista por Jan Fabre, artista belga : “...soy un servidor de la belleza”?

Si, me gusta.

He leído algún artículo en el que se afirmaba encontrar la estela de Joan Miró en tu obra, sin embargo a mi entender son planteamientos muy distintos. Joan Miró jugaba con el color y las formas, sus cuadros se basan en formas cerradas que no es que se adivinen es que están plenamente definidas, muy al contrario de lo que ocurre en tu obra ¿qué opinas al respecto?

Sin duda,  es un tema  más espiritual que formal.

El espíritu de Joan Miró, es evidente, que esta reflejado en todos los que amamos  la pintura. Aunque donde realmente me cautivó, es cuando entendí a un artista completo que con su trabajo ha abierto caminos para los demás crezcan y ha dejado entrever desde la sencillez  un universo plástico bastísimo, desde la fragilidad del carbón sobre la pared al complejo mundo de los grandes proyectos.

¿Calificarías la totalidad de tu obra como audaz o pretenciosa?

Creo que se acerca más a lo sutil y reflexivo.

En el pasado mes de enero fue noticia el panel que “a modo de retablo” podíamos contemplar instalado en el altar de la Capilla de la Misericordia de Palma de Mallorca, de 4 metros de alto por 2,70 metros de ancho. El marco ya de por sí invita a la reflexión y la espiritualidad propias de tu obra ¿nos podías contar el proceso hasta llegar a la obra final?

Fue una experiencia muy interesante trabajar el dibujo-mural en la misma capilla y comprobar como se relacionaba con la arquitectura del templo, compartiendo su espacio y su silencio. El proyecto lo titule “caminos del bosque” del que presentaba varios trabajos preparatorios y realmente, cuando se inauguro, tuvo esa presencia de retablo que yo perseguía dando unidad a toda la exposición.

Si te dijera que tu obra es poesía ¿qué me dirías? ¿Y si te dijera que es música?

Es cierto que la poesía, la literatura y la música  ya son inseparables de mi entender, y la pintura en concreto, sin duda, se nutre de las demás artes,  aunque es un tema reciproco como bien sabes.

Para algunos pintores, el compartir espacio con otras disciplinas puede significar la pérdida consciente de la importancia de su obra como ente creado para disfrute absoluto y único, significa perderse en la inmensidad de un conjunto en el que lo que predomina no es la lectura de tu creación, sin embargo tu obra ha servido de fondo en locales emblemáticos como Lima Lima o en  montajes musicales de formaciones como “Neopercusión”, ¿no temes que se confunda tu obra con la atmósfera de la que forma parte?

La fusión de música y pintura (como escenografía) se ha trabajado muchísimo a lo largo de la historia reciente, desde las vanguardias hasta hoy . Creo que para cualquier artista es un reto interesante, trabajar con otros medios de expresión y comprobar como funciona tu trabajo en diferentes terrenos que no sean exclusivamente un espacio expositivo.

Es difícil imaginarte pintando cuadros de 20cm x 30cm, tu trabajo parece estar y ser creado para grandes dimensiones.

Cuando antes te comentaba lo de las grandes y pequeñas cosas, es un poco lo mismo.

A veces necesitas concentrar tu energía en los pequeños formatos, que en ocasiones te sirven como diarios o cuadernos de viaje donde vas anotando todo tu imaginario y en otras necesitas el gran formato para materializar otro tipo de proyectos.

En Astarté, descubríamos tus grafismos encontrados en un nuevo espacio en lo que tu denominas “objeto-pintura” ¿te dejas invadir fácilmente por otros soportes? ¿Qué te aportan las nuevas tecnologías como parte del proceso creativo?

Creo interesante  salirse en ocasiones del formato cuadro para decir las cosas de otra manera y el artista tiene la función de aprovechar todo lo valido que se le cruza para expresarse,  desde el objeto-encontrado, pasando por la cámara de fotos, hasta las situaciones más insospechadas del transcurrir diario. Todo puede ser material artístico. 

¿Qué opinas de las galerías como espacio expositivo? ¿Y de Internet?

Las galerías son necesarias, siempre que hagan bien su trabajo. Cuando esto funciona contribuyen a que se creen buenas colecciones y quizás lo que es más importante, acercan el arte a la sociedad y muestran con frecuencia proyectos  que de otra forma no podríamos ver. Internet es una herramienta distinta que tiene su función.

¿Conoces AMBLART?

No, por el momento

Dinos un secreto ¿qué ocurre con las obras que no se venden?

Unas pasan a mi colección personal y otras, con el tiempo, las miro con ojos nuevos y sufren cambios.

¿Cómo es tu estudio? Descríbenoslo.

Provisional. Sueño con un estudio, que aun no tengo.

Ñaco, ¿te auto-definirías como artista balear o mediterráneo?

El artista no debería crearse fronteras

Dinos: ¿cuál es tu rincón?

Un lugar solitario.

Si tuvieras que darnos en 30 segundos una lección sobre arte ¿qué nos dirías?

Ves a Altamira, reflexiona, digiere la historia del arte, olvídalo todo y crea.

Entonces el poso de la memoria tendrá su función.

Para finalizar: ¿qué prefieres como modelo de inspiración: una mujer o una mosca?

¿No forman las dos parte de la naturaleza?

Gracias Ñaco, ha sido un placer recorrer tu memoria.