AMBLART

El paisaje no es sólo un entorno natural o su representación, si no que es en sí mismo una construcción cultural, sujeta a los códigos y la creencias de aquellos que lo configuran, ya sea físicamente (determinando la forma por medio de la distribución de cultivos, caminos,

puentes y edificaciones) o bien en cuanto a imagen (escogiendo el punto de vista y los elementos que se incluirán). La representación del paisaje, ya sea en pintura, fotografía u otros medios, no se limita por tanto a la simple captación de las formas de un entorno natural: se trata de una visión seleccionada, dirigida, una Weltanschauung resumida en una imagen. Cuando los pintores naturalistas del siglo XVII empleaban el recurso de la cámara oscura para reproducir el paisaje, fijaban su mirada en un punto concreto y se abstraían del resto, haciendo que una porción de la realidad fuese representativa de la totalidad, y del mismo modo los fotógrafos han dirigido siempre el objetivo hacia aquel fragmento que se convertiría en la “verdad” de un espacio y un tiempo concretos.

En tanto que género pictórico, el paisaje ha llevado a su extremo la función de mimesis, pretendiendo ser una auténtica ventana desde la cual deleitar la vista. Pero a la vez, como abstracción, ha incorporado una serie de códigos propios de la cultura y su medio, y así, en función de cómo se desarrollaba esta relación, ha cambiado la forma del paisaje. El hombre ha tenido miedo de la naturaleza, luego ha querido comprenderla, ordenarla, domesticarla, más adelante la ha despreciado y finalmente, a punto de extinguirla, quiere recuperarla con una nostalgia poco realista. Todas estas transformaciones se han visto reflejadas en las representaciones que los artistas han hecho del paisaje en los últimos siglos.

Hoy en día, en que la globalización nos ofrece un paisaje uniforme en todo el mundo, el horizonte de una ciudad inmensa o una interminable autopista siempre flanqueada por las mismas vallas publicitarias, la representación del paisaje vuelve a adquirir un nuevo significado. El llamado “paisaje urbano” encuentra un sentido y una forma propios; el paisaje natural se convierte en una ficción o una denuncia; el paisaje virtual, finalmente, irrumpe desde la pantalla del ordenador ofreciéndonos un nuevo espacio (como siempre, ilusorio) hacia el que dirigir nuestra mirada. En cualquiera de sus formas, necesitamos el paisaje porque supone la imagen de nuestro entorno, y al incorporar nuestros propios códigos culturales, nos devuelve la imagen de nuestro lugar en el mundo.

Metapaisajes propone la revisión del concepto de paisaje a través del arte digital. Creado con herramientas informáticas, el arte digital incorpora las formas y los códigos propios de nuestra sociedad actual, dominada por los procesos tecnológicos y los nuevos descubrimientos científicos, aportando un sugerente enfoque al modelo de visión del mundo que supone el paisaje. Por los procesos que generan y las formas que adoptan, las obras aquí presentadas son, más que paisajes, metapaisajes: empleando como prefijo la palabra griega que significa “más allá”, designamos  con este término aquellas creaciones que se sitúan “después del paisaje”, haciendo una abstracción del mismo para mostrarnos una forma que es a la vez un paisaje y un análisis (o crítica) del paisaje.

Forman la selección de esta exposición una serie de obras en diferentes formatos (impresión digital, net art, video, instalación interactiva) de artistas del panorama internacional. Todos ellos tienen en común la interpretación del paisaje en alguna de sus vertientes: como territorio a poseer o delimitar; como espacio de contemplación, sujeto a las transformaciones del mundo; como terreno inexplorado o imaginario; como entorno habitado e invadido; como espejo de nuestros errores.

Adam Chapman

Legible Nature

En un video proyectado en el techo, el espectador ve, como si hubiese una ventana, un bello cielo primaveral en el que pasa volando una bandada de pájaros. Entonces, parece que los pájaros se crucen de una forma particular y, por un instante, formen una letra. Esta letra se disuelve inmediatamente cuando los pájaros continúan con su vuelo errático, y entonces vuelven a crear otra letra, y luego otra... en Legible Nature, Adam Chapman nos propone una visión de la naturaleza como algo que oculta un mensaje secreto, desconocido y fascinante, que podemos captar apenas durante una fracción de segundo. El hombre siempre ha buscado en la naturaleza las respuestas a las grandes dudas que le planteaba su propia existencia, y en este sentido, contemplar el paisaje puede ser también como observar un libro escrito en un lenguaje que alcanzamos a comprender.

El artista ha creado un programa que controla los movimientos de estos pájaros virtuales de tal forma que vayan generando, como consecuencia de sus trayectorias de vuelo, las letras de los poemas del Manyoshu,  una colección de poesía japonesa del siglo octavo que trata de la efímera belleza de la naturaleza. Dado que no se trata de una animación, sino de un programa generativo, los movimientos de los pájaros nunca son iguales. El programa tarda unos 200 días en generar todas las letras de todos los poemas (si se deja activo permanentemente), por lo cual es prácticamente imposible que un espectador pueda ver la secuencia completa. Esto ilustra el hecho de que los cambios en la naturaleza tienen un ritmo propio, ajeno a las prisas del individuo contemporáneo, que no puede controlar estos procesos y en su observación del paisaje tan sólo capta una mínima parte de lo que sucede a su alrededor.

Adam Chapman es profesor en el Design and Technology department de la Parsons New School of Design. Sus trabajos en solitario y en colaboración con otros artistas han sido expuestos en museos, festivales y galerías de diversos países, entre los cuales el American Museum of Moving Image, el sitio web “Artport” del Whitney Museum y SIGGRAPH.

Mauro Ceolin

SolidLandscapes, DebugLandscapes, PromotionalLandscapes

Mauro Ceolin se define como “un pintor de la era digital”. Crea sus obras dibujando con una tableta gráfica y un lápiz óptico, de la misma manera en que lo haría un “artista tradicional”, si bien empleando herramientas electrónicas. No obstante, su adopción de lo digital no se limita a los medios que emplea, sin que influye en el propio concepto de sus pinturas. Interesado particularmente en el paisaje, Ceolin ha elaborado diversas series en las retoma este género desde la perspectiva de la cultura contemporánea. Así, en SolidLandscapes, visita los entornos virtuales de los videojuegos más conocidos, pero no como jugador, sino como un pintor de paisaje, deteniéndose frente a aquellos parajes que le han cautivado y reproduciéndolos laboriosamente con su lapiz óptico. Cabe recordar aquí que sería mucho más sencillo realizar una captura de pantalla (equivalente a una foto), pero el artista prefiere llevar a cabo todo el proceso que implica la pintura, con el estudio de aquello que se va a reproducir y su posterior interpretación.

En DebugLandscapes, Ceolin dirige su mirada hacia el mundo exterior, real. Se pregunta si un paisaje puede ser la representación de lo que en informática se denomina un debug, es decir la corrección de un error. Representa entonces una serie de escenas en las que vemos bugs o errores cometidos por el hombre contra la naturaleza: el derrame de crudo en la costa de Galicia, el desastre de Chernóbil, las consecuencias de la guerra de Irak. Aquí el paisaje se convierte en denuncia, llevando al espectador a una contemplación que lo fuerza a reflexionar.En PromotionalLandscapes, el paisaje es el de los grandes protagonistas del siglo XXI: las corporaciones. Ceolin reproduce los edificios de las grandes empresas tecnológicas, concediéndoles su primordial papel en la definición de nuestra sociedad por medio de los productos que elaboran y que son de hecho los que determinan muchas de nuestras acciones diarias.     

Mauro Ceolin (Milán, 1963) vive y trabaja en Milán. Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías y centros de arte en Italia y otros países. Ha estado presente en las ferias de arte Artissima, MiArt, Flash Art y FIAC, así como en diversos festivales de arte digital. Recientemente, la editora Johan&Levi ha publicado un libro sobre el conjunto de su obra.

Joan Fontcuberta

Orogénesis

La serie “Orogénesis” nace a partir de una residencia de Joan Fontcuberta en el Banff Center for the Arts de Canadá. El artista recuerda haber experimentado la impresión, al observar la belleza del entorno natural en el que se encontraba, de que “aquel paisaje tan idílico no podía ser real”. Esta sensación de irrealidad le lleva a experimentar con la idea de crear un paisaje artificial. Lo consigue por medio de un programa, VistaPro, que crea simulaciones en 3D a partir de las curvas de nivel de un mapa. Pronto descubre que el uso “indebido” del programa genera resultados conceptualmente interesantes: en vez de un mapa, el artista proporciona al programa la imagen de una pintura de paisaje. Este interpreta las gradaciones de los tonos de la pintura como si fuesen curvas de nivel y genera así un paisaje irreal, paradójico al ser el paisaje de un paisaje, que Fontcuberta retoca laboriosamente para otorgarle un aspecto “real”.    

Recuperando la tradición de la fotografía naturalista, Fontcuberta se convierte en explorador de un territorio que él mismo ha creado, lo recorre buscando aquella vista que le parece más interesante y capta una instantánea. Las imágenes resultantes son al mismo tiempo reales y fantásticas, recordando hasta cierto punto aquellas fotografías de microscopio en las que vemos cómo un elemento cotidiano, al ser aumentado 10.000 veces, revela todo un mundo en miniatura. El paisaje se reelabora a sí mismo por medio del delirio de un programa informático, una especie de “método paranoico-crítico” que conecta con la siguiente serie de Fontcuberta, en la que son diversos cuadros de Dalí los que se convierten en paisajes virtuales. Aquí la conexión es especialmente interesante, puesto que vincula conceptualmente los paisajes de síntesis con la tradición surrealista. Por medio de un proceso tecnológico, un trabajo que casi sería más propio de un científico, el artista consigue crear una imagen de ensueño, una evocación de la belleza que roza voluntariamente lo kitsch y nos muestra hasta qué punto nos engañamos en nuestra percepción de la realidad.   

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955)  ha desarrollado una actividad plural en el mundo del arte como creador, profesor, crítico, comisario de exposiciones, etc. En 1980 co-fundó la revista bilingüe (castellano-inglés) Photovision, en la que sigue ejerciendo como jefe de redacción. Desde 1996 es profesor de Estudios de Comunicación Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona.

Thorsten Knaub

GPS Diary, GPS Erasure, GPS Miró

GPS Diary

Durante el año 2003, Knaub desarrolló un proyecto artístico que consistía en registrar sus movimientos por medio de un dispositivo GPS. Dicho dispositivo permite al sistema recoger continuamente su posición en un gráfico, de manera que su desplazamiento queda representado por una línea. Un paseo por el barrio se convierte en una línea quebradiza que perfila el trazado de las calles. Un viaje en metro se traduce en una línea recta entre la estación de inicio y la de llegada, puesto que bajo tierra se pierde la conexión con el satélite.  

Bajo el título GPS Diary, el resultado de esta laboriosa práctica es una representación gráfica de los movimientos del artista durante ese año, así como una interfaz interactiva en la que el usuario puede consultar los gráficos generados día tras día.  

GPS Erasure 

Continuación de este proyecto, GPS Erasure plantea la aplicación inversa de este método, de manera que en vez de construir (tejiendo con sinuosos hilos sobre el terreno), se destruye. En este caso, el artista define un territorio cuyo perfil destaca sobre el fondo en azul oscuro, y dibuja, con sus desplazamientos, líneas que, al ser del mismo color del fondo, borran dicha forma hasta dejarla prácticamente irreconocible. Knaub, tras realizar esta intervención en el distrito de Kensington y Chelsea de Londres en 2006, plantea de nuevo su proyecto para Mallorca aplicándolo al parque natural de Sa Dragonera. En este caso, el contorno de la isla se destaca sobre el fondo azul del mar, y serán los paseos que el artista realice en este entorno natural los que contribuyan a “borrarla del mapa”. Durante varios días, Knaub deambulará por la isla procurando cubrir toda su superficie, mostrando en el gráfico resultante cómo la acción del hombre deja una huella permanente en la naturaleza.  

La acción de Knaub será recogida en fotos y un video, que se mostrará en las salas de la Fundació junto a la proyección del gráfico creado por el artista por medio de sus desplazamientos.

GPS Miró

Para la ciudad de Palma, el artista ha proyectado la intervención GPS Miró, que rinde homenaje a la obra de Joan Miró y su vinculación con Mallorca. En este caso, Knaub realizará diversos desplazamientos por la ciudad, de tal manera que en el mapa queden reproducidos elementos de los dibujos que Miró realizó en Palma. Inspirada por los Cuadernos Catalanes de Joan Miró, en particular el quadern de Palma de 1940, la intervención que plantea Thorsten Knaub rinde tributo tanto a la vertiente surrealista de Joan Miró, al recorrer la ciudad a la manera de un flâneur mientras crea signos invisibles, así como al aspecto más metódico e investigador del artista que reflejan de hecho sus cuadernos de dibujos preparatorios. Knaub retoma con este proyecto la idea expresada en las anotaciones de Miró que podemos leer en el Cuaderno “Une femme” (1940-41):

“si llega a faltar el material de trabajo, ir a la playa y hacer grafismos con una caña en la arena, dibujar con el rayo de una meada sobre la tierra seca, dibujar en el vacío del espacio el gráfico del canto de los pájaros, el ruido del agua y del viento y de una rueda de carro y el canto de los insectos, que todo esto se lo lleve después el viento, el agua, pero tener el convencimiento de que todas estas realizaciones puras de mi espíritu repercutirán por magia y milagro en el espíritu de otros hombres.”
Joan Miró, Cuadernos Catalanes. Barcelona, Ed.Polígrafa, 1980. p. 128

Knaub lleva a la práctica con las nuevas tecnologías el mismo espíritu de investigación que se observa en los cuadernos de dibujos de Joan Miró, inspirándose en estos grafismos mientras transita por la misma ciudad que alimentó la creatividad del artista desde su infancia. El resultado de la intervención GPS Miró se presentará en forma de una proyección en la que los “dibujos” realizados por medio del sistema GPS aparecerán sobre una versión simplificada del plano de Palma, dejando clara la relación entre espacio y grafismo.

Thorsten Knaub ha presentado su obra en diversas galerías, festivales y centros de arte en Londres y otras capitales europeas, Estados Unidos y Canadá.

Scott Snibbe

Boundary Functions

La idea de paisaje implica territorio: un territorio que se posee o se habita. En este sentido, podemos aportar al concepto de paisaje el del espacio personal, aquel que nos rodea constantemente y entra en contacto con el de los demás. De la misma manera en que en las comunidades de campesinos el territorio se divide en zonas de labranza, en nuestra vida cotidiana los espacios comunes se dividen entre las personas que los habitan, cada una de ellas procurando conservar su espacio personal. En Boundary Functions, Scott Snibbe explora los límites de este espacio personal creando una área sensible en la que la presencia de los visitantes es captada por una cámara. Cuando sólo hay una persona, no ocurre nada. Cuando hay dos personas, se proyecta una línea que divide el espacio en dos y reacciona dinámicamente a los movimientos de los usuarios. Cuando hay tres o más personas, el espacio se compartimenta siguiendo las llamadas “teselas de Dirichlet”, unos diagramas que se producen de forma espontánea en la naturaleza. Por medio de esta instalación interactiva, los espectadores pueden experimentar con su espacio personal y ver cómo este se relaciona con el de los demás. 

Se trata así en este caso de un paisaje no sólo contemplado, si no también habitado, en el que la línea divisoria se convierte en el horizonte y la infranqueable frontera de cada individuo.

Scott Snibbe (Nueva York, 1969) vive y trabaja en San Francisco. Ingeniero informático, ha trabajado como investigador para Adobe Systems y ha patentado algunos de sus descubrimientos. Como artista, centra su obra en la creación de piezas interactivas que implican el cuerpo del espectador en un sistema reactivo. Ha expuesto, entre otros, en el Whitney Museum of American Art (Nueva York), Eyebeam (Nueva York), Ars Electronica (Austria) y ha obtenido diversos premios, entre los cuales el prestigioso Golden Nica de Ars Electronica.

Carlo Zanni

eBay Landscape

Con eBay Landscape (2004), Carlo Zanni crea un paisaje virtual que se regenera constantemente a partir de datos obtenidos en la web. Bajo la apariencia de una sencilla escena de inspiración oriental, el artista ha articulado un conjunto de referentes que, sin ser evidentes, determinan a cada minuto la forma de la pieza. En principio, vemos un paisaje esquemático con unas ramas de bambú en primer plano y el perfil de unas montañas que se recorta contra el cielo. Pero en realidad, estas montañas son los índices bursátiles de la empresa eBay, la textura del bambú se ha extraído de la portada de CNN.com y el color del cielo y las estrellas que allí aparecen son generados por la propia presencia del usuario.

Este paisaje digital se convierte pues en algo más que una bella imagen: nos aporta una serie de datos acerca de nuestra realidad económica (representada por eBay), y político-social (representada por CNN), además de nuestra propia presencia (virtual) en este espacio: cada estrella representa a un usuario y los colores del cielo se obtienen a partir de la dirección del ordenador desde el que se accede a la obra. Además, si el usuario hace clic en la rama de bambú, accederá al sitio web de la CNN, descubriendo la imagen que se esconde allí y pasando de un espacio de contemplación a un espacio de información, de realidad.

Carlo Zanni ha completado este proyecto realizando una serie de pinturas inspiradas en las formas que ha adquirido su obra de net art en diversos días, creando así la paradoja de realizar una pintura real de un paisaje virtual, exponiendo a su vez su concepción de la pantalla del ordenador como el paisaje de nuestra cotidianidad.
Carlo Zanni (La Spezia, 1975) es un artista italiano que vive entre Milán y Nueva York. Su trabajo se centra en la intersección entre programación y representación, empleando y fusionando dos medios tan distintos como son la pintura e Internet para dar forma a paisajes y retratos.

Ha expuesto su obra en galerías y museos de diversos países, entre los cuales el PS1 Museum y la galería Bitforms de Nueva York, la III Bienal de Montreal, la galería Analix Forever de Ginebra y el Centro de Arte y Cultura Borusan de Estanbul. En Octubre de 2005 presentó su primera retrospectiva en el Institute of Contemporary Arts (ICA) de Londres. Ha publicado un libro sobre su obra, titulado “Vitalogy”.

del 5 octubre, 2007 al 6 enero, 2008

Comisario: Pau Waelder 

www.metapaisajes.com