AMBLART

Esta exposición ha sido comisariada por Andréa Holzherr, historiadora de arte, Magnum Photos París y Barbara Zürcher, directora de Haus für Kunst Uri, en colaboración con Patricia Asbaek, CCA Andratx.

Aunque todos hemos pasado por ella, la niñez es una época de la que tenemos, como adultos, memorias limitadas; un lugar misterioso, mitificado y cargado de reminiscencias.
La temática de la niñez nos evoca muchas incógnitas. Cómo se siente la niñez, cómo descubre un niño el mundo y cómo lo convierte en suyo. La percepción del mundo de un niño es para un adulto prácticamente inaccesible, probablemente es por ello por lo que se convierte en fascinante.
La niñez no es un concepto preciso. En el mundo occidental, habitualmente se describe la época de vida del desarrollo del ser humano entre la infancia y la pubertad.
Aunque la niñez está condicionada por factores sociales y culturales, es vivida de forma individual y recordada subjetivamente. Esta es una de las razones por las que el término niñez conjuega con asociaciones agrupadas que, en parte, son contradictorias, como por ejemplo: inocencia, pureza y vergüenza pero también miedo, desamparo y fracaso.
El motivo de la niñez, como un lugar mítico y utópico, sirve para muchos artistas que exploran métodos y expresiones como una herramienta de la autoafirmación. La exposición "Mitos de niñez" no pretende examinar el termino niñez desde un punto de vista histórico y tampoco plantea preguntas socio-criticas, sino que trata sobre cómo los artistas contemporáneos perciben la temática de la niñez, reflexionan sobre ella y la interpretan.
A través de la pintura, instalaciones, esculturas, videos y la fotografía, más de 15 artistas internacionales exploran aspectos de la temática de la niñez. Cada una de las obras representadas en la exposición representa un punto de vista crítico y subjetivo de la temática.

ARTISTAS:

SERGEY BRATKOV (RUS), ELINA BROTHERUS & HANNA BROTHERUS  & LAURI ASTALA  (FIN), MAÏDER FORTUNÉ (F), CAO GUIMARÃES (BR), SUNIL GUPTA (IND), CHARLOTTE GYLLENHAMMAR (S), MICHAEL KALMBACH (D), FABRICE LANGLADE (F), ANDREA MUHEIM (CH), PETER NEUCHS (DK), IRIS SARA SCHILLER (IL), THE ROYAL ART LODGE (CA), YVES TREMORIN (F), HANS WITSCHI (CH)
 

 
Fechas: 30 de mayo – 26 de julio de 2009
 
 
 
 
Hans Witschi

Flashback, 1997, Acrílico sobre algodón/ 60,9 x 45,7cm cada obra.
Suiza se encuentra esparcida a través de una densa e invisible red de viviendas de diferentes estilos.
No sería hasta los años 70 cuando los niños física y mentalmente dudosos fueron institucionalizados.
Las ayudas eran escasas y la infraestructura, considerada apropiada, fallaba por lo que los niños impedidos de padres indigentes no tenían la posibilidad de desarrollarse en su propio hogar.
Por otra parte cabe destacar que, en aquellos años, eran muchas las familias que consideraban a estos niños como signos de pecado o como una vergüenza. Esta fue la razón por la que tantos niños de aquella época fueron encerrados lejos de su lugar a fin de crecer en otras casas u hospitales.
En este nuevo entorno, si bien es cierto que los pequeños fueron protegidos y expuestos a los cuidados de las manos humanitarias de enfermeras o monjas; al mismo tiempo fueron usados una y otra vez como objetos de estudio que la ciencia empleaba para derrotar enfermedades.
Flashback muestra a los 54 niños de una institución abierta en la que el mismo Hans Witschi pasó 16 años de su vida. Algunas fotos antiguas, en su mayoría tomadas por el personal del hospital o por los padres de los pequeños, despertaron en él la necesidad de pintar los retratos de sus antiguos compañeros.
Nacido en 1954 en Luzern, el artista autodidacta Hans Witschi vive y trabaja en la ciudad de Nueva York desde el año 1989. Casualmente en este año obtendrá el estudio de Nueva York de la Ciudad de Zurich. Podría decirde que desde 1981expone con frecuencia tanto a modo individual como en grupo, tanto en Suiza con en el resto de países extranjeros. El documental rodado en 1989 Witschi geht (Allí fue Witschi) por Paolo Poloni fue presentado en el Festival cinematográfico de Locarno en 1992. Desde 2008 es destacado miembro de la renombrada Liga de Estudiantes de Letras de Nueva York, donde da clases como profesor asociado.
 
 
Fabrice Langlade

Edén, Souche 1, 2, 3 y Alba, 2008, instalación
El escultor francés hace uso no sólo de relieves de pared sino también de esculturas separadas. Sus composiciones basadas en relieves de pared, que recibieron el nombre de Eden, consisten en una serie de figuras de un palmo de tipo monocromo y plano fijadas sobre la pared por el artista. Estas se arreglan según un plan estrictamente geométrico basado en el reflejo y la repetición.
Sus figuras, repartidas por toda la pared, toman prestadas sus formas del mundo de los niños y los juguetes. Criaturas fabulosas de la mitología, pequeñas muñecas, plantas y árboles estilizados, pero también los soldados y los helicópteros de combate recubren las paredes como si se tratara del diseño de un tapiz. Sus pequeños cuerpos ensartados recuerdan al espectador una colección entomológica de mariposas.
Los trabajos tridimensionales de Fabrice Langlade se basasn en el material plástico blanco, sus siluetas coaguladas y acromáticas se asemejan a la propia figura de un juguete de gran tamaño. Éstas dan lugar a pequeñas cosas grandes o grandes pequeñas cosas. Compensando la forma, el color y la medida, el artista crea nuevos mundos mágicos.
Los relieves así como las figuras tridimensionales ilustran un estado eterno realmente original, un mundo primitivo. Como el principio de un cuento de hadas con " Erase una vez … " éstos relatan relatan historias sobre la creación de las cosas, la presión y la lucha, o sobre experiencias míticas y humanas.
Nacido en 1964 en Rheims (Francia), Fabrice Langlade vive y trabaja en Montreuil. Sus trabajos de forma individual han sido expuestos, entre otros sitios, en: 2008 en la Galería Steinek, Viena (Newpatterns) y en La Cathédrale, Leshauts du Ru, en Ana Israëls en Montreuil (Edén); 2006 en la Galería JGM, París (Ahgha); 2004 en el Societé de Sermonea la R. Peyer, Ginebra (Oval); 2002 en Arte de este Siglo, París (SSHH); 2000 en L Samaritaine, París (Jardín) y en la exposición de Grupo Establecimiento en el Musée d'art moderne, Santo Etienne.
Cabe concluir diciendo que las esculturas de Fabrice Langlade cuentan con un lugar destacado en colecciones no sólo de tipo público sino también privado.
 
 
Peter Neuchs

Dreamtest, 2004/2009, acrílico sobre lino.
Con su trabajo Dreamtest el artista danés Peter Neuchs trata con el sujeto de los sueños. Hasta nuestros días, se podría decir que la causa y el objeto de los sueños aún no han sido estudiados con un carácter puramente comprensivo ya que las investigaciones sobre el cerebro se limita a considerar los sueños como una simple respuesta fisiológica basada en procedimientos neuronales.
Como un elemento permanente dentro del psicoanálisis de Freud, el sueño se refiere al humano inconsciente y por consiguiente a su niñez. Para establecer una conexión entre la realidad y el sueño o el presente y el pasado, Peter Neuchs hace uso de viejas toallas bordadas y de pequeños manteles para que sean los portadores de imagen de su trabajo.
Los objetos típicos de su (nuestra) niñez, impecables y exquisitamente planchados , adornando las salas de estas de nuestros abuelos, padres y demás familiares, Neuchs los emplea como lona para sus dibujos y escrituras que evocan al espectador un mal sueño o una pesadilla. Es en el contrate drástico entre los tapetes decorativos burgueses y los cuadros de sueño espantosos, lo que permite a Neuchs mostrar la discrepancia en el adulto entre sus memorias idealizadas, nostálgicas y las experiencias traumáticas de su/su niñez.
Nacido en 1958 en Å rhus, Dinamarca, Peter Neuchs estudió en la Academia Real de Artes en Copenhague entre 1985 y 1992. Durenta muchos años estuvo viviendo y trabajando en, Brasil. Desde hace largos años, los trabajos de Peter Neuchs han sido presentados en exposiciones relevantes como en 2007 en la Galería María Lund; en 2005 en la Galería Laura Marsiaj, Río de Janeiro; en 2001 Recortes, Motel Acapulco, R.J. en la Galería Danoise, París; 2000 Pruebas de sueño en el Ediciones Benveniste, Madrid; 1999 Agitado en la Galería Specta, Copenhague, así como Notas a pie de página en el Ediciones Benveniste, Madrid.
 
 
Yves Tremorin

Poupig, 1995, Fotografías
“Tener una cámara y no tener niños es triste, pero tener niños y no disponer de una cámara es imperdonable. ¡Tener niños y una cámara es maravilloso”, Dominique Nohain. En su serie Poupig el artista francés Yves Tremorin trata con la imagen fotográfica de los recién nacidos. En el momento en el que un niño viene al mundo son sus padres los que toman esas fotografías "del momento histórico" que luego enviarán, en forma de retrato, a parientes y amigos. Este procedimiento basado en una ocasión única, no sólo es compartido sino que los familiares desde el subconsciente lo usan como una identificación de la persona.
Pero de todo esto, no hay nada en la obra de Yves Tremorin. En vez de presentar a su descendiente en "una postura agradable ", parece como si el progenitor estuviera analizando fijamente al nuevo ser humano con el escepticismo o con la distancia,  él parece estudiarlo como algo "extraño". El recién nacido no se presenta ante el espectador como un descendiente orgulloso, sino como un cuerpo insignificante con la cara babeada o un manchado inferior.
Esta visión objetiva de las fotografías de Yves Tremorin da lugar a un crudo contraste con las habituales fotos de bebés. En vez "de la hermosura" el espectador se enfrenta con la realidad de lo que se supone que es la vida con un bebé.
Lo que de forma habitual en los retratos clásicos de recién nacido se muestra como un milagro, es mostrado de forma muy peculiar en los cuadros de Tremorin. Nacido en 1959 en Rennes (Francia), estudió matemáticas, sin embargo fue absorbido por la fotografía en una edad temprana.
Entre otros lugares, sus trabajos fueron presentados en las exposiciones siguientes: 2006 en Triángulo Le, Nuevas n (Homografías), 2005 en la Galería Gilles Peyroulet y Cie, París (Rose Digitale) y en el mismo año con motivo de las Imágenes de Festival au Centro, Château de Châteaudun (Blason y Figuras(Cifras)), 2004 en el Pavillon des artes, Pantin (La Légende du Pavillon), 2003 en la Galería Gilles Peyroulet y Cie, París (Naturalezas Mortes et autres Objets). 2001 en la Galería de l'école des Artes, Brest (Armas - Manzanita S.) y 2000 en el Frac Basse Normandía, Caen.
 
 
Elina Brotherus & Lauri Astala & Hanna Brotherus

My Happiness is Round, 2007, video, 9 minutes
El trabajo conjunto de vídeo My Happiness is Round  llevado a cabo cuatro hermanos finlandeses, tres chicos y una niña, da lugar a la exploración del mundo. El pilar principal de la película es la hermana pequeña, que en la cinta habla sobre el mundo y sus misterios.” ¿Qué es el amor? ", " ¿Qué es lo que verdaderamente import?”,  "¿De dónde vengo? ", "¿ Por qué estamos nosotros aquí por esta cosa del amor? ". Estas son solamente algunas de sus preguntas, pero ella además habla de sí misma y de sus hermanos, también, de sus miedos a los monstruos y es firme y rotunda sobre la felicidad que existe a su alrededor. My Happiness is Round, nos permite llevar a cabo una ojeada por el orificio de la cerradura que destaca la niñez, la vida entre hermanos, lo que significa crecer, pero también conocer las inseguridades o las preguntas que sobre la existencia llegan a hacerse los niños.
Gestión de proyecto: Hanna Brotherus, Elina Brotherus, Lauri Astala
Cámara: Lauri Astala
Edición: Lauri Astala, Elina Brotherus
Coreografía: Hanna Brotherus
Música y sonido: Antti Ikonen
Protagonistas: Robert, Johannes, Amos y Elsa Brotherus
Patrocinada por: AVEK, el Consejo de Artes de Finlandia, Centra Helsinki cultural français
Elina Brotherus nació en 1972 en Helsinki, Finlandia. Tras sus estudios de química, estudió en la Universidad de Arte y Diseño Helsinki (UIAH) entre 1997 y 2000. Actualmente vive y trabaja en entre Finlandia y Francia. Desde hace varios años, el artista viene realizando numerosas exposiciones individuales, como en 2008 la Nueva Pintura en la Galería Hippolyte, Helsinki; en 2007 la Nueva Pintura en el Oldenburger Kunstverein y en el Centro vierte l'image contemporaine, Ginebra; en 2006 Estudios Modelos en el Musée des Artes de galanes, Caen, y la Nueva Pintura en el Musée Nicéphore Niepce, Chalon-sur-Saône. Muchas colecciones de museo importantes destacan sus trabajos.
Lauri Astala, por su parte, nación en en 1958 en Valkeakoski, Finlandia.Y en la actualidad vive y trabaja en Helsinki.
Tras su experiencia como ingeniero graduado de la Universidad Técnica de Helsinki, el artista cambió a a la Academia de Artes en 1985. Después de su graduación en 1990 estudió dos años más en el Instituto De arte de Chicago, EE.UU.. El trabajo de Lauri Astala ha sido presentado en muestras como las de  2008 en el Museo Kumu De arte, Tallin; en la Galería Heino en Helsinki así como en el Institut Finlandais, París. Lauri Astala aceptó muchas ofertas por trabajos en posiciones(ubicaciones) públicas. 
Finalmente, Hanna Brotherus nació en 1968 en Helsinki, Finlandia. Estudió baile y coreografía en la Academia de Teatro de Helsinki, llegando a presentar algunas de sus composiciones de danza en 2008 en el Teatro de Ciudad de Helsinki (Silmissäni mennyt), en 2007 en el Centro de Zodiak para el Nuevo Baile (Lähiosoite) así como en el Teatro de Baile Hurjaruuth (Hannu ja Kerttu) en el mismo año.
Además, también participó en varias película y proyectos de vídeo como My Happiness is Round en 2007 y en la d Stäng ö rren, en 2004 en Brotherus, y en 2003 en la Recuperación del amor así como en 2002 en Estar siempre con nosotros.
 
 
Cao Guimar

Desde The Window of My Room, 2004, película en 35mm/color, 5 minutos.
A través de la ventana de su habitación de hotel, el cineasta brasileño observa a dos niños que juguetean bajo la lluvia. Al cabo de un rato las bromas juguetonas se convierten en una lucha enfadada.
Nacido en 1965, Cao Guimar, vive y trabaja en Brasil. Estudió filosofía en la Universidad de Westminster en Londres y llegó a dominar la fotografía. Destacando no sólo los documentales sino también las películas experimentales, sus trabajos de video siguen siendo mostrados en muy alta estima en renombrados festivales internacionales de cine. Con asiduidad, Guimar participa en exposiciones grupales.
 
 
Michael Kalmbach

Der grosse ind der kleine Paul (Paul grande y pequeño Paul) 2003, acuarela sobre ciclo papel 49 partes, enmarcado.
El mundo de los cuentos de hadas es el mundo de los dibujos de Michael Kalmbach. Como sabemos, los cuentos de hadas son a la vez hermosos y tristes, es una realidad en la que se establece un vínculo entre un eslabón bueno y uno malo, pero los hay también crueles.
Hay preguntas existenciales que siguen pasando por la mente de un niño, Michael Kalmbach también se hace tales preguntas, sin embargo con la ironía y desde la visón fiel de los ojos de un artista, algo que es determinante para formar su propia memoria, como si él fuera una de estas criaturas. El artista trata con todas nuestras imágenes. Escuchando su voz interior, él escucha e indaga en nuestra memoria colectiva, en nuestra biografía colectiva.
Michael Kalmbach, nació en 1962 en Landau, Palatinate, vive y trabaja en Francfort/Principal y Berlín.
Entre 1983 y 1989 estudia en el Städelschule, Francfort/Principal, en 1987 le concederán una beca por la Renania-Palatinate de Estado Federal en el " Künstlerhaus Edenkoben " y en 1989/90 recibirá una beca por la Fundación de Mérito alemana Nacional para estudiar en Nueva York. En 1995 le conceden el Premio de Arte por " la Salchicha de Francfort Verein für Künstlerhilfe " y  recibirá más tarde el Premio Excepcional para el Arte Jóven, Saar Ferngas el Premio De la promoción.
En 1997 estos premios vienen seguidos de una subvención concedida por el Ministerio de la Ciencia y el Arte del Estado Federal Hesse, en 1999 le conceden una beca de viaje por la Fundación Cultural de Hesse,  en 2000  recibe al Karl-Str ö ella - el premio, seguido de una subvención del " Kunstfond la e. V. Bonn ".
Ha llevado a cabo múltiples muestras de grupo así como publicaciones en Alemania y en el extranjero.
 
 
Maïder Fortuné

Playing Dead, 2003, fotografías
Maïder Fortuné de Francia trabaja con el vídeo de los medios de comunicación, la fotografía, la película y la edición. Con su trabajo ella enfrenta al espectador a mitos y criaturas míticas de la niñez. ¿Qué pasa en la psique de un niño, que juega a hacerse muerto? El Juego del Muerto consiste en un tríptico que examina la razón, a veces incomprensible, de los rituales infantiles. Las imágenes muestran a dos niñas que juegan "al muerto" sobre la cama de padres.
La cámara trata de filmar el juego, sin embargo las fotografías simplemente muestran, que algo invisible pasa delante de nuestros ojos, un encuentro misterioso con la muerte, algo que elude al espectador adulto.
Puppet 2001, el vídeo, 4 minutos.
Puppet es la parte de la serie Juegos. El protagonista de la serie, ordenada en 5 episodios, es una niña. Por el encuentro permanente con el mismo carácter surge la idea de un doble. La reprografía de la muchacha de muñeca lo hace imposible para el espectador de decir el verdadero carácter del doble. En Puppet la niña lleva a cabo hallazgos en una gruta. Entre las puntas de sus puntas sostiene un globo, cuyo vientre redondo refleja al jefe de la muchacha. Esta escena, también, se centra en el doblamiento del carácter y lo pone como pilar central del trabajo. La cara de la muchacha parece ser capturada en el globo, cerniendolo con cuidado en la brisa por encima de su cabeza.
Licorne 2006, el vídeo, 6 minutos.
Hay un unicornio que se soporta inmóvil en un espacio indefinible, oscuro. Rodeado por una luz azul da lugar a una aureola majestuosa y mística. De repente en esta ubicación comienza a llover. Las gotas de agua parecen ser los golpes de un cepillo que tiñen el abrigo blanco del unicornio. Convirtiéndose la lluvia, de forma lenta, en un aguacero que revela la mascarada del unicornio y que hace que la criatura mítica se convierta en un caballo con un simple disfraz ridículo. 
La exposición de la criatura mítica rememora la frustración que experimentamos durante nuestra niñez, cuando "el milagro" se convirtió en un truco estúpido, cuando el fondo mercantil o la estructura primitiva fueron revelados, cuando nosotros casi podíamos palpar las cenizas de nuestros sueños y deseos. Justo como esto el unicornio desaparece despacio delante de nuestros ojos en el espacio negro de nuestras ilusiones enterradas.
¡Curtain!, 2007, el vídeo, 18 minutos.
 Ante todo el espectador mira a una” nada” gris. De esta nada, de forma silenciosa, van apareciendo siluetas de color negro. Las siluetas surgen, cruzan la nada y desaparecen en el fondo como si huebieran sido tragadas por una inminente niebla. De repente uno descubre de nuevo a los héroes de la niñez.
¿Era este Pinocchio, y aquel Mickey Mouse? Y allí viene Blancanieves … .. hechizados miramos fijamente en la nada, la espera. Los colores de los amigos de nuestra niñez son decolorados, los detalles de sus cuerpos estilizados son capturados en el negro de sus siluetas, pero aún así se reconocen sin problema. Nuestra memoria es moldeada a través de estas memorias y el poder de sus apariciones vagas abren las esclusas de amnesia.
Maïder Fortuné nació en 1973 en Francia. Vive y trabaja en París. Al principio, estudió en el Teatro Físico de Jacques Lecoq en París y luego siguió, entre 2000 y 2002, en en el MFA, el Estudio Art Contemporains Le Fresnoy Nacional des en Tourcoing.
Ha llevado a cabo importantes exposiciones individuales como la realizada en la Galería Martine Aboucaya, París en 2008; en Frac Haute Normandie, Rouen y en el Centro chorégraphique de Havro en 2007, en Le Triange, Nuevas n así como en la Unión Mercer, Toronto y en el L'H Valenciennes en 2006; en la Fundación Miró, Espai 13, Barcelona así como en la Galería la Caja, Bourges en 2005.
Con regularidad muestran sus películas en festivales cinematográficos y en museos de arte.
 
Andrea Muheim

Schlafende (Personas durmiendo), 1998-2009, aceite sobre lona
 “Dürft ich in deine Träume schauen, so wär mir alles, alles klar!” F. Hebbel.
Para la artista, Andrea Muheim, la pintura es principalmente un medio de intimidad. Con este medio explora los universos que la rodean; retrata su red social, sus amados y los espacios, donde ellos viven, el sueño y el trabajo. Ya que la pintura llevada a término por la artista es una forma de comunicación y diálogo, un dato que se acompaña de  gestos íntimos y golpes apacibles pintados sobre la lona, expresado por figuras que conmovedoras, pero también por cortinas situadas al frente de una cama. Durante aproximadamente 10 años, las personas durmiendo han sido el objeto de su trabajo. Todo surgió exactamente mientras su hijo se encontraba inmerso en este mundo de los sueño. Él fu su primer modelo. A raíz de ahí, comenzó a retratar a conocidos y amigos, que se quedaban a dormir en su casa. En sus primeros años, únicamente bosquejó a las personas para más tarde transferir las imágenes sobre la lona. En la actualidad, trabaja principalmente con las fotografías que extrae de ellos con un tamaño mayor al cuadro, así es como desarrolla su trabajo.
Con sus últimos trabajos, el espectador es más bien un observador. Si se inspecciona de cerca la obra, el espectador accede al torbellino de la persona retratada y tienta echar una ojeada en los sueños de aquel que duerme. Para la artista, esto es principalmente un diario.
Andrea Muheim nació en 1968. Vive y trabaja en Zurich. Después de un curso preparatorio en la Escuela para artes y oficios en Zurich participó en cursos profesionales de arte en Berna. Desde 1991 lleva a cabo numerosas exposiciones individuales y grupales tanto en Suiza como en el extranjero. En 1997 recibió el premio de carrera (Werkjahr) de la Fundación De arte y Cultural Heinrich Danioth, y en 1995 el premio de arte de la ciudad de Zollikon.
 
 
Sergey Bratkov

Kids1. 2000, fotografías
La mayor parte de los trabajos fotográficos de Sergey Bratkov fueron creados durante los años catastróficos de irritación y pérdida del orden mundial, firmemente establecidos bajo el régimen comunista de la ex-Unión Soviética, pero al mismo tiempo a modo promesa hacia un mundo más libre, un futuro más individual y mejor. En su serie Kids1, Bratkov adopta, hasta cierto punto, la visión de los padres que tenían a sus hijas fotografiadas con la intención de enviar las imágenes a una agencia de modelos. 
Este acercamiento, en verdad, poco tiene que ver con un supuesto motivo de explotación sexual. La mirada fija y secreta de las jóvenes es una reflexión hasta cierto punto infantil de las proyecciones estereotipadas de sus padres, hundidos por un medio, ellos realmente no entienden a los padres que acompañan a sus niños a un photo shooting.
Sergey Bratkov nació en 1960 en Ucrania. Desde 2000 ha estado viviendo en Moscú. Junto con Boris Mikhailov, estableció el Grupo de Reacción Rápido entre 1994-1997. En 2002  participó en 25 Paulo Biennial So, So Paulo. Después expuso su trabajo en el Pabellón ucraniano del 52. Bienal de Venecia. Exposiciones en el Centro porary Arte, Moscú, 2006; Centro BÁLTICO para Contemporáneo Art, Gateshead, 2007; Museo de Foto Winterthur, 2008.
El trabajo de Sergey Bratkov es representado en numerosas colecciones privadas y públicas como la furgoneta de Museo Hedendaagse Amberes De arte, Bélgica.
 
 
Iris Sara Schiller

Eaux d´en haut, eau d´en bas, 2008, video 2´43 minutos
Para su trabajo la artista Iris Sara Schiller de Israel hace uso de medios de comunicación diferentes (el dibujo, el vídeo, la fotografía, la escultura etc.) que combina de manera complejas. Tejiendo gestos y posturas, juegos de palabras y visiones, caracteres, muebles así como referencias culturales, transporta la complejidad de las relaciones familiares, directamente o de una manera simbólica. Con sus demostraciones sobre las relaciones entre la mujer-hombre, la hija-madre, la hermana-hermano, el niño-madre o entre gemelos, Iris Schiller trata de dar  una forma coherente a la situación simbiótica del amor. Al mismo tiempo sus trabajos, con los cuales Iris Schiller establece una conexión entre sus propias experiencias, sentimientos y recuerdos con aquellos de sus parientes cercanos, se refieren a su intervención, herencia y alianza dentro del círculo de familia.
Su trabajo de vídeo Eaux d'en haut, eaux d'en bas consiste en dibujos al carbón y un poema hebreo que la artista recita en su lengua materna. El poema o la historia comienzan como un cuento de hadas con el habitual "Érase una vez…" y habla de niñas, brujas y de ser impotente. Como en el cuento de hadas, los niños sobreviven momentos críticos o incluso crueles.
Las imágenes que Iris Sara Schiller reanima con su trabajo, despiertan una seria de memorias que vuelven a la superficie del conocimiento.
Nacida en 1955 en Haifa, Israel, Iris Sara Schiller estudió en la Academia De arte Bezalel en Jerusalén. Desde 1984 ha estado viviendo y trabajando en París. Entre otros ella presentó sus trabajos en 2008 en el Musée d'art et d'histoire du Judaïsme en París (Eaux d'en haut, eaux d'en bas); 2003 en el Musée Picasso d'Antibes (Ine fille est ine fille est ine fille d'une fille); 2001 en la Sinagoga de Delme, Centre d'art contemporain (Ritos de deuil). En 2005 concedieron a Iris Sara Schiller el Magnífico Premio con motivo de los 50 años del Festival Internacional de Películas Cortas en Oberhausen para su trabajo de vídeo La tresse de ma mère. 
 
Sunil Gupta

Imagening Childhood, 2005/2006, fotografías
Sunil Gupta,  artista, conservador, escritor y  activista, analiza críticamente los estereotipos existentes y desafía los conceptos fundamentales del análisis de la raza como el género,  la sexualidad y su importancia relacionada con ellos, como la pertinencia, la identidad y el país de origen. Nacido en India, Sunil Gupta emigró a Canadá con 15 años juntos con su familia. Con un declarado seropositivo, Gupta ha tomado contacto no sólo con la homosexualidad sino con el SIDA para llevar a cabo sus trabajos. Su serie Imagening Chilhood  documenta la vida de niños infectados por el SIDA en el " NAZ Carehome para Mujeres y Niños " en Delhi. Las fotografías de Gupta muestran la cruda realidad de los que viven con el síndrome de la inmunodeficiencia adquirida.
Comparado con ciertas prácticas fotoperiodísticas, ansiosas de destacar el carácter exótico del tercer mundo o las dolencias de las víctimas, los cuadros de Gupta no parecen realmente espectaculares. Comprensivo pero carente de sentimiento, el fotógrafo documenta a los niños y el ambiente en el que se encuetran sin representarlos como víctimas o sin revelar su identidad. Moldeado por los propios recuerdos de su niñez y por la experiencia propia del SIDA, Gupta, mezcla en su trabajo la autobiografía, la niñez, la vida y la muerte..
Sunil Gupta nació en 1953 en Nueva Deli, India. Estudió en Londres en la Escuela de bellas artes Real, donde terminó la carrera con un Master En 1988 él fundó la Dedicatoria: La Asociación de Fotógrafos Negros y en 1992 ÓVULOS: La Organización de Artes Visuales. En 1995 Gupta fue infectado por el VIRUS DE INMUNODEFICIENCIA HUMANO. Desde 2005  ha estado viviendo en Londres y Nueva Deli. Sunil Gupta presenta sus fotografías con regularidad en importantes exposiciones, entre ellas en 2008 en la Galería de Sepia, Nueva York, en 2007 en la Galería de Arte de Bombay, Mumbai, en 2006 en el CUNY, Staten la Isla, Nueva York (Imagening la Niñez: Viviendo con VIH en Delhi), en 2005 en el Museo canadiense de Fotografía Contemporánea, Ottawa, Ontario, en 2004 en el Espacio de Proyecto de Merodeador, Londres (el Cuerpo Positivo) así como en California Museo de Fotografía, Orilla, California. Por su trabajo concedieron al artista con numerosos premios y becas. 
 
 
Charlotte Gylenhammar

The Spectators, 2003, Instalación
En su instalación The Spectator, Charlotte Gylenhammar usa la proyección de un trozo extraido de los archivos del canal de noticias Swedisch sobre un drama de secuestro, que ella combina con las esculturas de pequeños niños.
El remolque corto de la instalación se refiere a la liberación de Paul Getty de 17 años que había permanecido cinco meses en cautiverio y que fue encontrado en el área de Salerno/Italy el 15 de diciembre. 1973. El documento muestra a Paul Getty abandonado en una comisaría en Roma.
En The Spectators, Charlotte Gylenhammar se centra en el suspense creado entre  la realidad y la percepción, algo que ella visualiza por la documentación de película y los niños que se sientan delante de ella. Privar a alguien de su libertad es un acto violento, que a menudo se encuentra en el borde entre un algo puramente personal y una esfera política. El acto es realizado con la ayuda de la cobertura en los medios de comunicación, una de las armas más eficaces de nuestro tiempo. Poco a poco, Charlotte Gylenhammar acentúa la vulnerabilidad y el poder que los cuadros tienen sobre propios pensamientos de alguien.
Muchas de las instalaciones de la artista sueca tratan con imágenes móviles y con su percepción. En The Spectators, hay un mundo realizado sobre niveles diferentes, primero uno histórico, un segundo que es infantil, indicado por el carácter de la artista, y por último el que hace referencia a la percepción del espectador (The Spectator), que ve la escena en total, de una distancia, o de un modo diferente como un participante activo.
A comienzos de los 80, la artista emprendió estudios en la Universidad del arte y más tarde en la Academia Real de Arte en Estocolmo así como en la Escuela de bellas artes Real en Londres. Desde hace años, ha venido realizando exposiciones de calibre, como en 2008 en la Galería SAK, Estocolmo (la Cabeza de b); en 2007 en los Mundos Cristal de Swarowski, Wattens, en 2006 en el Dep, el arte, ment Estocolmo (Cuelga); 2005 en el Boras Museo De arte y en el Dunkers Kulturhus, Helsingborg (Idiota Privado); 2004 en el Kulturhuset, Estocolmo (Idiota Privado) y en 2003 en el Moderna Museet, Estocolmo (los Espectadores).
Charlotte Gylenhammar aceptó numerosas esculturas comisionadas en ubicaciones públicas, entre ellos Raoul Wallenberg el Memorial según el pedido de la ciudad de G ö teborg en 2007, o la Maravilla para el Ministerio de los asuntos exteriores en Estocolmo en 2006.
 
 
THE ROYAL ART LODGE

Children, 2008
THE ROYAL ART LODGE es una asociación canadiense de artistas cuyos miembros son, entre otros, Marcel Dzama, Neil Farber y Michael Dumontier. Esta es la filosofía del grupo, abstenerse de sus propios nombres como autores a favor de la etiqueta THE ROYAL ART LODGE y que se trata de una empresa colectiva en la que cada miembro persigue su propia carrera como artistas al mismo tiempo. Por la función de los derechos de autor THE ROYAL ART LODGE  se pregunta sobre el papel del artista así como sobre la jerarquía entre "la cultura alta" "y la cultura baja".
Durante sus sesiones de trabajo conjuntas, los artistas participantes pintan sobre aspectos diminutos, cuya superficie mide solamente unos centímetros y que están influenciados por los comics o la cultura low. Ingenioso, extraño e irónico estos objetos del tamaño de las uñas del pulgar, cuentan historias sobre la niñez, que con su combinación entre los juegos de palabras y los cuadros parecen enviar un mensaje tragicómico donde los miedos de la niñez y las fantasías adultas son mezclados de un modo cómico.
Marcel Dzama nació en 1974 en Winnipeg, Canadá. Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Desde años atrás, ha contado con exposiciones de importancia en las galerías siguientes: 2008 el Fantasma del Pasado, David Zwirner, Nueva York así como Marcel Dzama / Edición 46, Pinakothek der Moderne (Galería De arte) Munich. 2007 Marcel Dzama, Oficina párrafo Proyectos de Arte, Guadalajara, México y Ceremonia de Celuloide, Galleri Magnus Karlsson, Estocolmo.
2006 Marcel Dzama, Sies + H ö ke, Dusseldorf, Alemania,  Árbol con Raíces, ikon Galería, Birmingham y Marcel Dzama, Richard L. Nelson Gallery y Bellas Artes Colección, Universidad de California.
Neil Farber vive y trabaja en Winnipeg, Canadá. Condecorado con varios premios, el artista expone su trabajo en museos internacionales y en importantes galerías de arte, como la realizada en 2006 en el Yerba Buena el Centro, San Francisco, en la Feria de Contemporáneo de Pulso Art, Nueva York, Nueva York y en Mogadishni, Copenhague. 2005 que Mira Palabras: El Empleo Formal de Texto con Trabajos Modernos y Contemporáneos sobre Papel(Periódico), Andrea Rosen Galería, Nueva York; Cerebro, Richard Heller Galería, Santa Mónica así como Dos D, Verde Sobre Rojo, Dublín y 2004 Cita im Musee Art Conemporain Lyon, Lyon.
Michael Dumontier, nace en 1974, se graduó con el título de Bellas Artes en Universidad Manitoba, Winnipeg. Hasta ahora el artista canadiense ha llevado a cabo las siguientes exposiciones: 2007 En el Luto, Galeria Espacio Minimo, Madrid; ¿Dónde está Aquí?, Galería de Arte de Winnipeg, Winnipeg. 2006 Cerillas, Perugi Artecontemporanea, Padua y Nuevo Trabajo, OH+T Galería, Boston. 2005 Pensieri Dei Serpenti, Perugi Artecontemporanea, Padua y Reflexiones Serpeantes, Douglas Hyde Galería, Dublín. 2004 Michael Dumontier, Elizabeth Dee Galería, Nueva York.